From Attitude to Form

Otl Aicher sprach einmal von „der Welt als Design“. Was auch bedeutet: Design muss nicht immer aus den verschiedenen Disziplinen hervorgehen – Fotografie, Werbung, Produkt, Architektur, Event, Corporate Design – sondern kann auch als Ausdruck einer inneren Haltung Form annehmen. Tatsächlich faszinieren mich am meisten die Arbeiten, die nicht aus Aufträgen entstehen – also jene ohne Deadlines oder finanzielle Ziele, die die Form in eine bestimmte Richtung drängen. Aber auf der anderen Seite Arbeiten, die sich keiner Kunstform zuordnen lassen – Musik, Malerei, Theater usw. – denn diese sind von Natur aus frei, auch wenn sie sich anderen Gesetzen anpassen müssen, wie denen des Kunstmarkts, der Galerien, Museen, Theaterhäuser und Konzertsäle.

Ich meine die Arbeiten, die in keine Kategorie passen und dennoch durch ihre Haltung Form annehmen. Wenn die Form dann sichtbar wird, ist sie natürlich – wie alle anderen sichtbaren Dinge – äußeren Einflüssen ausgesetzt: Kritik, Macht, Politik, Handel, Stürme. Aber in ihrer Entstehung waren diese Arbeiten frei. Zumindest frei von den Kategorien, nach denen wir sie gewöhnlich bewerten, und vor allem frei vom Druck des geplanten Erfolgs. Denn der Erfolg kam erst danach – eben dadurch, dass etwas geschaffen worden war und Form angenommen hatte.

Deshalb möchte ich in dieser neuen Ausgabe von HQ – der Untertitel „Magazine for Design“ wurde beibehalten – über einige Projekte und Aktivitäten sprechen, die nicht aus den Designdisziplinen hervorgegangen sind, aber eine bemerkenswerte Designqualität entwickelt haben, weil die innere Haltung, von der ich spreche, so stark war. Phänomene, die zunächst nur durch ihren inhaltlichen Charakter bestimmt werden, deren Inhalt aber eine so überzeugende Form annimmt, dass er ebenso eindrücklich, suggestiv oder bezeichnend wird wie ein akribisch nach allen Regeln der Kunst entwickeltes Logo oder gar ein gesamtes Corporate Design – höchst unterschiedliche Projekte, die eindrücklich zeigen, dass wahres Design mit Haltung beginnt.

Zum Beispiel die Lichterkette in München 1992, als Protest gegen Fremdenfeindlichkeit und Rechtsextremismus. Hier leuchtete München wirklich; die überwältigende Beteiligung der Bevölkerung an der von Giovanni di Lorenzo und seinen Mitstreitern geplanten Demonstration war eines der herausragenden Ereignisse der deutschen Geschichte seit der Wiedervereinigung und wahrscheinlich auch seit dem Ende des Krieges. Ein Grund für diese große Resonanz war sicherlich die wunderbar passende Form, die eine vielschichtige, harmonische Symbolik mit einem einfachen und leicht erkennbaren Sinnbild verband. Licht, das uralte Symbol der Hoffnung, der Wärme und damit der humanitären Werte, in seiner einfachsten denkbaren und praktischen Anwendung – eine vom Teilnehmer mitgebrachte Kerze – erzeugte ein eindrucksvolles, unverwechselbares und unmittelbar verstandenes Symbol.

Eine eigenwilligere, aber letztlich nicht weniger poetische Symbolik zeigt mein nächstes Beispiel. Mit einer Viertelmillion Plastikflaschen baute Richie Sowa, ein Zimmermann aus Middlesbrough, 1998 eine schwimmende Insel im Golf von Mexiko und nannte sie Spiral Island. Er bedeckte die 320 Quadratmeter große Fläche mit Sand, baute darauf ein zweigeschossiges Schilfhaus mit Solarofen und Komposttoilette und bepflanzte die Insel mit Sträuchern und Bäumen. Was für eine neue Interpretation des Recyclings! Ein Akt der Versöhnung mit der Natur und gleichzeitig ein gesellschaftlich relevantes Experiment: Land aus Müll schaffen. Die Verbindung beider Extreme in einer einzigen Form – einsame Insel und Zivilisationsabfall – macht das Spannungsfeld und das sozial-ökologische Potenzial der Installation stets spürbar. Kein Kunstwerk, aber ein wegweisender Schritt, der seinen Standpunkt durch seine bloße Form macht. – Sieben Jahre später zerstörte ein Hurrikan dieses kleine Paradies.

Das berühmte Burning Man Event, 1986 von Larry Harvey mehr oder weniger spontan ins Leben gerufen, hat sich von einer Strandveranstaltung in San Francisco im Freundeskreis zu einem einwöchigen Festival in der Wüste Nevadas mit über 40.000 Teilnehmern entwickelt. Das Hauptereignis ist dasselbe geblieben: das Verbrennen einer überlebensgroßen Holzskulptur – die im Laufe der Jahre von 2,4 Metern auf 12 Meter angewachsen ist – und anderer höchst künstlerischer Werke, wie Uchronio der Belgier Jan Kriekels und Arne Quinze und ihres Teams (2006). Das Ganze ist weit mehr als ein überdimensioniertes Sonnwendfeuer. Der kreative Akt der Verbrennung und damit eigentlich der Ent-formung weist pointiert auf das wahre Wesen des Events hin: Nicht das Werk zählt, sondern die Energie. Nicht die Materie, sondern der Geist – das, was an zwischenmenschlichem Kontakt, Solidarität und gemeinsam gemachten Erfahrungen in der schnell aufgebauten und dann vollständig abgebauten Stadt entsteht. Utopie ist temporär, Utopie ist der Moment, der nicht festgehalten werden kann. Nur die Idee bleibt erhalten und nimmt von Jahr zu Jahr eine neue, andere, temporäre Form an – als Burning Man, so emblematisch wie programmatisch.

Völlig jenseits der visuellen Sphäre liegt Daniel Barenboims Projekt (mitbegründet von Edward Said), das West-Eastern Divan Orchestra. Junge Menschen aus Israel, den palästinensischen Autonomiegebieten, dem Libanon, Syrien, Jordanien und Spanien kommen jedes Jahr in Sevilla zusammen, um ein Konzertprogramm zu erarbeiten. Die Förderung des Verständnisses zwischen den Völkern, über kulturelle und religiöse Grenzen hinaus, könnte kaum wirkungsvoller realisiert werden – sowohl durch seine symbolische Botschaft als auch als praktischer Akt: ein Orchester, als solches das Symbol der Harmonie, das an den Orten rekrutiert wird, wo heute Juden, Muslime und Christen zusammenleben, wie in historischen Zeiten – von Andalusien bis Palästina – und nach der Gedichtsammlung des deutschen Weltbürgers Johann Wolfgang Goethe benannt ist, der seinerseits von der Dichtung des großen persischen Dichters Hafis inspiriert wurde. All diese Vorzeichen wirken wie ein symbolisches Emblem, durch das die Musik, die abstrakteste aller Künste, eine vollkommene Form annimmt.

Mein letztes Beispiel ist die bekannte Google-Seite, die durch eine vollständige Abwesenheit von Design geprägt ist. Ein Feld für den Suchbegriff, ein Suchknopf mit dem naiv bunten Namen darüber – das war es. Kein gestalterischer Schnickschnack, und das mit einer solchen Konsequenz, dass es zum Erkennungszeichen wurde. Mit der von Larry Page und Sergey Brin entwickelten Suchmaschine konnte das Potenzial des World Wide Web endlich wirklich ausgeschöpft werden: Die Möglichkeit, einfach einen Suchbegriff ohne Vorkenntnisse aufzurufen, bewirkte eine Demokratisierung des Internets. Was könnte dieser Haltung also besser entsprechen als die Ablehnung jeglicher ästhetischer Bevormundung? Google ist, was es ist: Inhalt ohne Form – und konsequenterweise fand es Form als Nicht-Form.

Natürlich haben die hier vorgestellten Beispiele noch weitere Gemeinsamkeiten, jenseits ihrer selbst erzeugten Form. Eine davon – vielleicht nicht die auffälligste – ist die enorme Disziplin jeder dieser Arbeiten oder Events. Man denke an die spontane Disziplin einer großen Menschenmenge, einen bestimmten Akt an einem bestimmten Tag zu einer bestimmten Stunde durchzuführen, oder an die geradezu mythisch anmutende Geduld und Ausdauer, die nötig ist, um 250.000 leere Plastikflaschen zu sammeln, oder an den Aufwand und das langfristige Engagement, eine Holzskulptur zu bauen, die kurz nach ihrer Fertigstellung verbrannt wird. Was das West-Eastern Divan Orchestra betrifft, bedarf es keines Kommentars: Schließlich ist ein Sinfonieorchester die Verkörperung von Disziplin. Aber auch die Google-Seite bezeugt es: Wie viele tausend Gestaltungsmöglichkeiten gibt es, und wie unnachgiebig muss man sein, um ihnen zu widerstehen!

Es ist keineswegs Zufall, dass diese Beispiele alle Disziplin gemeinsam haben. Im Gegenteil, das hat mit ihrem eigentlichen Wesen zu tun: Denn diese Projekte – unabhängig davon, ob sie erfolgreich waren oder nicht, ob sie inzwischen kommerziell geworden sind oder nicht, ob sie historisch oder noch aktuell sind – zeichnen sich in ihrer Konzeption durch einen starken Impuls aus, den ich „Veränderung durch Multiplikation“ nennen möchte. Jedes dieser Projekte verändert nicht nur die Realität – das tut grundsätzlich jeder Akt – sondern ist von einem Geist motiviert, sie zu verändern. Die Entdeckung einer breiten Solidarität gegen Fremdenfeindlichkeit in München, ausgerechnet in München mit seiner fragwürdigen Vergangenheit in dieser Hinsicht, im überstilisierten und andererseits hartnäckig provinziellen München, war eine kollektive Offenbarung. Auf der individuellen Ebene war die Flucht aus dem Kreislauf der Pfandflaschen in eine selbstversorgende Inselwelt von geradezu prototypischem Charakter – eine radikale Befreiung. Die gemeinsame Erfahrung eines temporären Stadtstaates in der Wüste sowie die enge Zusammenarbeit von Juden, Christen, Muslimen, Europäern, Arabern und Israelis in einem Orchester haben eine offensichtlich bewusstseinsverändernde Wirkung – und Googles befreiende Leistung wurde bereits erwähnt: Sie zielt auf nichts Geringeres ab, als jedem auf der Welt, der Zugang zum Netz hat, den Zugang zu allen darin enthaltenen Informationen zu ermöglichen.

Dieser Impuls, diese Haltung, die das eigene Handeln in einen größeren Kontext stellt und alle Energie darauf konzentriert, unsere Welt ohne Vorbehalte, Kalkulation und Ausweichmöglichkeiten positiv zu verändern: Dieser Impuls ist die Haltung, die trotz allem Widerstand Form findet. Das ist es, was mich als Designer interessiert, denn es ist die einzige Existenzquelle unseres Berufs.

From Attitude to Form. Aus Haltung wird Gestalt.
In: Jürgen Rautert: HQ – high quality. Best of advertising, art, design, photography, writing.
Heidelberg 2008, ISBN 978-3-89904-330-3.